MUSEO ARQUIDIOCESANO DE ARTE RELIGIOSO

Carrera 5 No 4 - 87

Teléfono 097 5681814

Pamplona, Norte de Santander

Colombia

El Museo Arquidiocesano de arte religioso de Pamplona nació de la necesidad de proteger y conservar el Patrimonio artístico Religioso que a través del os tiempos y los acontecimientos históricos de la ciudad han logrado conservarse de una u otra manera.

La planta física donde funcione el Museo fue construida para ser ocupada por la colección con la finalidad de abrirlo al público.
La colección del Museo de Arte Religioso está constituida por obras de la época colonial, como pintura, escultura, orfebrería, ornamentos y por otros objetos de carácter religioso.

El Museo se encuentra organizado en forma didáctica por épocas y por escuelas, para que cumpla objetivamente su función educativa, pastoral y catequética.

Cuenta con tres salas de exposición distribuidas así: la de mayor amplitud ubicada en el primer piso en donde se encuentran gran cantidad de pinturas y tallas en madera; en el segundo piso se encuentra la sala de platería y otra con pintura, libros y ornamentos.

DISEÑO CORORATIVO

MISIÓN:

Cultivar el sentimiento religioso en la comunidad a partir de la investigación, conservación, difusión y exhibición del patrimonio artístico religioso de Pamplona y su provincia y así promover la educación y deleite de sus visitantes aprovechando su carácter de único en Norte de Santander.

VISION:

Al finalizar esta década El Museo de Arte Religioso de Pamplona será un fuerte impulsor de la cultura religiosa en Nuestra Ciudad y sus alrededores y tendrá implementado recursos tecnológicos y didácticos donde se almacene la información de las obras.

OBJETIVOS:

• Catalogar todo el patrimonio artístico religioso de La Arquidiócesis de Pamplona y reunir todos los objetos que, por su valor artístico o histórico o por u antigüedad, sean considerados dignos de ser exhibidos siempre que no se necesiten para el culto religioso ordinario.
• Exhibir de manera permanente en la sede del Museo las obras de arte religioso de propiedad de la Arquidiócesis, de las Parroquias, de otras entidades eclesiásticas y civiles, o de particulares, que por su valor artístico merezcan ser expuestas.
• Adelantar obras de conservación y restauración y defensa del patrimonio artístico-religioso mueble o inmueble de la Iglesia Arquidiocesana y el de otras entidades o personas que quieran aprovechar estos servicios del Museo.
• Organizar exposiciones transitorias de arte religioso y llevar a cabo otras actividades culturales que contribuyan a cultivar el sentido del arte religioso.
• Favorecer y promover la creación artístico-religiosa.
• Dar al patrimonio artístico e histórico de la Iglesia y de las demás entidades mencionadas, una función de utilidad cultural y social para toda la comunidad.

VALORES:

• Respeto y aprecio hacia la obra de arte, considerándola no como un simple obra de Arte, sino como una tradición y gran aporte para la cultura y la evangelización.
• Respeto y amabilidad con nuestros visitantes.
• Creatividad para que una exposición tenga el sentido de que se pueda apreciar el objeto no como un elemento más, sino encontrar en ella el verdadero sentido de la obra.
• Eficacia en el servicio, brindándolo con agrado y profesionalismo de manera que se pueda respetar principios o creencias religiosas.
• Disponibilidad para que todos aquellos que quiera conocer y apreciar las hermosas obras de arte de nuestro Museo, lo puedan hacer con agrado y satisfacción.

PRINCIPIOS

• Igualdad en el trato con propios y visitantes.
• Amor y cuidado por el Arte Religioso.
• Enseñar con dedicación el Arte Religioso.
• Honestidad con todo el personal interno y externo de la Institución.
• Paz, para que el ambiente que se respire en las instalaciones del Museo contagie a los visitantes de alegría y reflexión.

1. Pinturas

	SANTÍSIMA TRINIDAD ÉPOCA: Finales XVIII. AUTOR: Atribuido a Alonso Hernández de Heredia TÉCNICA: Óleo sobre Lienzo MEDIDAS: 75 x 60 cms. DESCRIPICIÓN: Dos figuras masculinas vestidas de blanco, sentadas entre las nubes, los rostros son jóvenes, los pies posan sobre cabezas de querubines. Son semejantes salvo a los estigmas que muestra la figura de la izquierda. El Espíritu Santo está representado por una paloma, se encuentra flotando entre ambos. El fondo es ocre en la parte superior y azul en la inferior. El marco de la obra es tallado, dorado y policromado.
	VIRGEN DE CHIQUINQUIRÁ ÉPOCA: Finales del Siglo XIX. AUTOR: Firmado por Ricardo Acevedo Bernal. TÉCNICA: Óleo sobre Lienzo DIMENSIONES: 1,96 x 2,6 m. . DESCRIPCIÓN: La figura central representa a la Virgen María con el niño Jesús en sus brazos. Ella aparece de pie sobre la luna y su mano izquierda porta un rosario; sobre su cabeza la corona y la aureola. El Niño Jesús porta una corona sobre su cabeza y en su mano derecha un ave. Además aparece acompañada por dos personajes: San Andrés y San Antonio; el primero en su mano izquierda sostiene una cruz en forma de aspas como símbolo de su martirio y en su mano derecha tiene un libro abierto. Mientras que el segundo en su mano derecha sostiene una palma que no es propia de su simbología y en su mano derecha un libro cerrado con la figura del Niño Jesús sobre éste. El marco está tallado en madera, posiblemente con hojilla de cobre, tiene algunas faltantes en su plano general.
	EL JUICIO FINAL ÉPOCA: Colonial (Finales de Siglo XVIII). AUTOR: Anónimo. TÉCNICA: Óleo sobre Lienzo DIMENSIONES: 2,44 x 1,87 m. DESCRIPCIÓN: Hay tres planos claramente definidos: en el plano superior el cielo: en el centro Jesús, María y los 12 apóstoles, 6 a cada lado mirando hacia la tierra. En el plano intermedio: al pie de Jesús un ángel con las Sagradas Escrituras; un ángel a cada lado anunciando el juicio final, con una trompeta. En el centro parada sobre la tierra: la muerte con la hoz; a la izquierda está el diablo que empuja a los impenitentes hacia la puerta del infierno; a la derecha un ángel lleva a los redimidos a la puerta celestial. En el plano inferior está el infierno donde los condenados sufren suplicios por haber sido: "iracundo", " borracho", " deshonesto", "usurero", etc. Colores vivos y claros

2. Tallas en Madera

SAN ANTONIO ÉPOCA: Colonial. AUTOR: Anónimo. TÉCNICA: Talla de madera estofada. DESCRIPCIÓN: El Monje de pie, con las dos manos extendidas. Con su brazo izquierdo sostiene al Niño Jesús que está de pie sobre un libro cerrado. Hábito estofado en oro y negro asfalto.
NIÑO HUERFANITO (GEMELO) ÉPOCA: Colonial (Siglo XVII). AUTOR: Anónimo. TÉCNICA: Plomo vaciado y encarnado. DESCRIPCIÓN Figura de Jesús infante, sobre su cabeza tres potencias lo que representan su nimbo crucífero; está apoyado sobre una peaña de madera. El Niño con su mano derecha levantada en posición de bendecir. Imagen venerada por su tradición y leyenda en nuestra ciudad.

ORNAMENTOS

Un apartado importante para el patrimonio cultural del Museo, lo constituyen los ornamentos Sagrados, de origen Francés y bordados en hilos de oro y plata. El hecho de que el Sacerdote se reviste de hábitos especiales, como no se ven en la vida ordinaria significa que deja el nivel de a tierra para pasar a un mundo superior, cuyo reflejo vemos en la misma vestidura.

El vestido litúrgico más común para los ministerios es el Alba que se ciñe con el cíngulo a la cintura; el vestido propio del diácono es la Dalmática ; la casullas es la vestidura propia del Sacerdote Celebrante en la Misa ; la estola la lleva el sacerdote alrededor del cuello y pendiendo ante el pecho, el Diácono la lleva cruzada. La Capa Pluvial la lleva el Sacerdote en las procesiones.

Los diferentes colores de los ornamentos, tienen como fin expresar las características de los misterios de la fe que se celebran a lo largo del año litúrgico.

  PLATERÍA

Parte fundamental de la colección del Museo, está constituida por diversos objetos artísticos religiosos, cuya importancia además de su antigüedad radica en que fueron elaborados por orfebres pamploneses como Alonso de Lozada y Quiroga Y Raimundo Hernández de Heredia durante el Siglo XVII.

Hacen parte de esta muestra vasos sagrados, como el cáliz y la patena en los que se ofrecen, se consagran y se toma el pan y el vino; el copón que sirve para la reserva de la Eucaristía. La custodia que se utiliza para exponer al público el Santísimo Sacramento, además de lo anterior hay sacras las cuales tienen forma de cuadro y se colocaban sobre el altar para que el Sacerdote pudiera leer algunas oraciones de la Misa y el último Evangelio; atriles fijos y plegables igualmente en plata repujada; además cestas de ofrenda, bandejas, pectorales, vinajeras, incensarios, navetas, mecheros, relicarios y las ánforas que son cántaros de cuello largo utilizadas para la bendición de los santos óleos; existen 3 ánforas para albergar las tres clases de óleo así: óleo de los enfermos, óleos de los catecúmenos y el Santo Crisma.

También hace parte de la colección, el báculo del primer Obispo de Pamplona Monseñor José Jorge Torres Stans (1835). El báculo es el símbolo más antiguo de la autoridad y en él el Obispo proclama al Padre, al juez y al pastor espiritual.

ESCUELAS Y TALLERES DE ARTE RELIGIOSO

TALLER DE LA FAMILIA FIGUEROA

El taller que más definitivamente decidió las características generales del grupo santafereño de pintura y en el que se formaron la mayoría y los más completos pintores del criollismo colonial, fue el de la familia Figueroa.

Este taller familiar estaba constituido por el Padre Baltasar de Figueroa "El Viejo", por su hijo Gaspar de Figueroa, por sus nietos Baltasar y Nicolás de Vargas Figueroa, y otros pintores que con suerte diversa llenaron más de un siglo de madurez pictórica entre los que figura el más famoso pintor neogranadino Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos.

Las características de la pintura que se produjo en este taller las encontramos en el Renacentismo y en el Barroco mezclados. De la pintura española del Renacimiento toma su realismo de buena ley y verdaderamente cristiano, sus formas decorativas y graves, su tinte religioso su expresión viva y armoniosa; del Barroco en estas obras se puede observar como el pintor colocaba de manera peculiar las figuras y de componerlas y distribuirlas con una inspiración religiosa de carácter bíblico.

En general la pintura que se produjo en este taller denota la influencia de pintores como Caravaggio, Murillo, Valdés Leal y Zurbarán; de ellos se aprecia con éxito el uso del fuerte claroscuro tenebrista con la intención de imprimir volumen y dramatismo a la obra.

Con el objetivo de ilustrar lo anteriormente escrito, tomamos como ejemplo la pintura de Baltasar de Figueroa denominada el Señor de la Columna.

EL SEÑOR DE LA COLUMNA

Este óleo sobre lienzo donde se representa al Señor de la Columna corresponde a un tema pictórico devocional que induce al sentimiento y a la piedad de los fieles, es propio de la pintura desarrollada durante los siglos XVI y XVII.

La figura de Cristo de cuerpo entero aparece de pie, con las manos amarradas a una columna y semidesnudo cubierto por un paño blanco recostándose sobre un fondo oscuro, donde el pintor Baltasar de Figueroa, imita la técnica de la pintura de Caravaggio, pintando a Cristo de una manera natural; transparentado en las cosas naturales, Cristo hombre, las realidades invisibles; esta pintura donde se representa al Señor de la Columna , es una escena real, sensible, que permite al hombre ver con los "ojos de la imaginación" las realidades divinas.

El cuerpo de Cristo está iluminado de forma artificial de manera que irradia luz en contraste con el fondo oscuro del lugar donde se encuentra; así esta imagen invita a los fieles a meditar sobre la pasión de Cristo.

En cuanto a la técnica de la pintura, el pintor colombiano lo que hace simplemente es imitar, en este caso logra aunque de una manera no muy eficiente, desarrollar las características del juego de la luz y de las sombras de la pintura Caravaggesca, pero no alcanza a desarrollar el sistema de iluminación artificial característico de la pintura de Caravaggio.

Las obras que se citan a continuación hacen parte de la producción pictórica del taller de la familia Figueroa:

 ALONSO HERNÁNDEZ DE HEREDIA

Pintor activo durante la segunda mitad del siglo XVIII.

Su obra pictórica presenta características del estilo Manierista, el cual floreció en el Renacimiento y el Barroco,

Alonso Hernández de Heredia, fue un pintor muy aceptable en el ámbito neogranadino, trabaja como casi todos los Santafereños insistiendo en la técnica del "esfumado" (que consiste en rebajar los tonos de una pintura, logrando de esta manera cierto aspecto de vaguedad y lejanía), con el que dulcifica y ablanda un dibujo correcto y así mismo blando.

En su pintura se pone de relieve la manera dulce, donde parece darse la mano las influencias de los romanistas y de los sevillanos, sobre el grupo criollo de Santafé cultivador de cierta fina gracia amanerada y de un formalismo muy grato.

Una obra suya de las pocas conocidas es la siguiente:

SAN JUAN EVANGELISTA:

Apóstol predilecto de Jesús, en cuyo pecho reclinó la cabeza en la última cena y que le acompañó en el calvario.

Escribió el cuarto evangelio y el Apocalipsis, Murió muy anciano en Efeso hacia el año 100.

En la pintura aparece con uno de sus atributos personales que es la copa con la serpiente halada, símbolo del veneno que hubo de tragarse para demostrar la verdad de la predicación.

Otras obras:

GREGORIO VASQUEZ DE ARCE Y CEBALLOS

El máximo exponente de la pintura neogranadina, quien nació en Bogotá el 9 de Mayo de 1658 y murió allí en 1711.

Su primera formación la recibió en el Taller de los Figueroa, donde aprendió la manera de macerar las tierras de los colores, preparar los aceites y disponer las mantas aborígenes sobre los cuales su genial inspiración realizaría su fecunda obra creadora.

Con el tiempo se da a conocer y empieza a recibir el encargo de obras religiosas. En su labor fue ayudado por su hermano Juan Bautista y por su hija Feliciano.

El procedimiento usado en los cuadros fue casi siempre el tonal: realizando paulatinamente el colorido a base de disponer una sobre otras suaves capas de color que parten de una tonalidad básica.

Sus rostros son inconfundibles, siempre juveniles, obedientes a la forma ovalada con barbilla puntiaguda nariz menuda y recta, la boca muy pequeña, los ojos mostrando una mirada baja, son separados y de párpados prominentes. El cabello o el manto perfilan bien la frente proporcionada contribuyendo al óvalo de la cara, las cejas sin preciso arco y esbozado apenas y un delicado colorido. Como se ve, típico manierismo. Cuando se pinta la natural se muestra más vigoroso.

A pesar de su heterogeneidad y de un amaneramiento que no puede ocultarse, Gregorio Vásquez aparece como punto culminante de la pintura neogranadina que con él y por él logró situarse entre las dos más importante de la América Española.

En sus obras se observa el influjo de pintores como Murillo, Zurbarán, Guido, Reni, Rafael y Sassoferrato; llegando en algunos casos a hacer copias de las pinturas de éstos pero con algunas modificaciones.

OBRAS :

LA ANUNCIATA :

Esta es una representación de una Virgen Orante. Como su nombre lo indica, la Virgen se encuentra orando en el momento de la anunciación.

Esta iconografía mariana es producto de los pintores, que inspirados bajo los textos bíblicos hacen este tipo de representación de la Virgen. (LC 1, 26-38).

Otras obras:

ESCUELA QUITEÑA

Quito, importante foco artístico que había pasado a formar parte Virreinato de la Nueva Granada , causó una más fuerte influencia de la gracia rococó en la pintura y en la decoración arquitectónica.

Donde el estilo rococó impresiona más en la decoración de interiores. En esto la fisión de la arquitectura, la escultura y la pintura presenta una superabundancia de alegres colores al pastel, con formas curvilíneas, labor de estuco, dorados, dorados y un decisivo gusto por lo asimétrico.

Respecto de los pintores Quiteños, es apenas lógico que en virtud de su vecindad y por haber constituido Quito un foco de influencia -más en escultura que en pintura- se hubiesen importado obras suyas, especialmente al sur de Colombia. Forman parte de la colección del museo las siguientes obras de la Escuela Quiteña , donde se destaca Manuel Samaniego pintor minucioso, dulzón más que gracioso y de colorido crudo.

SAN JOSÉ:

Este óleo es una representación típica del renacimiento, donde San José esposo de María, lleva al Niño Jesús en sus brazos, su fiesta se celebra el 19 de Marzo.

OTRAS OBRAS:

PINTURAS ANÓNIMAS

JAIME O SANTIAGO EL MAYOR.

A partir del Siglo XIII se le representa vestido como peregrino con clámide militar. Sus atributos hacen referencia a su triple personalidad de apóstol, militar y peregrino: la espada, los moros vencidos y la cruz roja que ostenta en el pecho llamada de Santiago.

PIEZA DEL MES

TITULO: "VIRGEN DEL ROSARIO"

AUTOR: Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos. (Firmado y fechado).

ÉPOCA: Colonial (Siglo XVII).

TÉCNICA: Óleo sobre lienzo.

DIMENSIONES: 89 x 65 cms.

La advocación a La Virgen del Rosario se debe a la Comunidad Dominicana , específicamente a Santo Domingo de Guzmán, quien instituyó la devoción del Rosario, ya que la Santísima Virgen apareciéndose a este Santo le señaló que en el rezo de esta oración encontraría una eficaz arma para derrotar la herejía albigense.

El instrumento que sirve para rezar esta oración, es decir, la camándula, tiene un significado de una corona de rosas ofrecida a la Virgen.

La celebración de la fiesta a la Virgen del Rosario se realiza el 7 de Octubre y fue instituida por san Pío V.